Disegno di figura - Figure drawing - Wikipedia

Da Wikipedia, L'Enciclopedia Libera

Pin
Send
Share
Send

Disegno di figura di Leonardo Da Vinci

UN disegno di figura è un disegno della forma umana in una qualsiasi delle sue varie forme e posture utilizzando uno qualsiasi dei disegni media. Il termine può anche riferirsi all'atto di produrre tale disegno. Il grado di rappresentazione può variare da rendering altamente dettagliati e anatomicamente corretti a schizzi sciolti ed espressivi. Un "disegno dal vivo" è un disegno della figura umana dall'osservazione di un live modello. Un disegno di figura può essere un'opera d'arte composta o un file studio della figura fatto in preparazione di un lavoro più finito come un dipinto.[1] Il disegno della figura è probabilmente il soggetto più difficile an artista comunemente gli incontri e interi corsi sono dedicati all'argomento. La figura umana è uno dei temi più duraturi nelle arti visive e la figura umana può esserne la base ritrattistica, illustrazione, scultura, illustrazione medicae altri campi.

Approcci

Gli artisti adottano una varietà di approcci per disegnare la figura umana. Possono attingere da modelli dal vivo o da fotografie,[2] da modelli scheletrici, o dalla memoria e dall'immaginazione. La maggior parte delle istruzioni si concentra sull'uso di modelli nei corsi di "disegno dal vero". L'uso di riferimenti fotografici, sebbene comune sin dallo sviluppo di la fotografia—È spesso criticato o scoraggiato per la sua tendenza a produrre immagini "piatte" che non riescono a catturare gli aspetti dinamici del soggetto. Il disegno dall'immaginazione è spesso lodato per l'espressività che incoraggia e criticato per le inesattezze introdotte dalla mancanza di conoscenza o dalla memoria limitata dell'artista nel visualizzare la figura umana; l'esperienza dell'artista con altri metodi ha una grande influenza sull'efficacia di questo approccio.

Nello sviluppo dell'immagine, alcuni artisti si concentrano sulle forme create dal gioco di valori chiari e scuri sulle superfici del corpo. Altri adottano un approccio anatomico, iniziando dall'approssimazione dell'interno scheletro della figura, sovrapponendo gli organi interni e muscolaturae coprendo quelle forme con la pelle, e infine (se applicabile) i vestiti; lo studio dell'anatomia interna umana è solitamente coinvolto in questa tecnica. Un altro approccio consiste nel costruire liberamente il corpo geometrico forme, ad esempio, una sfera per il cranio, un cilindro per il busto, ecc. quindi perfezionare quelle forme per assomigliare più da vicino alla forma umana.

Per coloro che lavorano senza riferimento visivo (o come mezzo per controllare il proprio lavoro), proporzioni comunemente consigliate nel disegno della figura sono:[3]

  • Una persona media è generalmente alta 7 teste e mezzo (compresa la testa). Questo può essere illustrato agli studenti in classe utilizzando piatti di carta per dimostrare visivamente la lunghezza dei loro corpi.
  • Una figura ideale, usata per un'impressione di nobiltà o grazia, è disegnata a 8 teste di altezza.
  • Una figura eroica usata nella raffigurazione di dei e supereroi è alta otto teste e mezzo. La maggior parte della lunghezza aggiuntiva deriva da un torace più grande e gambe più lunghe.

Queste proporzioni sono più utili per un modello in piedi. Pose che introducono scorcio di varie parti del corpo le farà differire.

Media

Donna seduta, disegno a matita nera, scuola di Rembrandt (XVII secolo)

Il Salone francese nel 19 ° secolo consigliava l'uso di Conté pastelli, che sono bastoncini di cera, olio e pigmento, combinati con carta appositamente formulata. La cancellazione non era consentita; invece, l'artista avrebbe dovuto descrivere la figura con tratti chiari prima di fare segni più scuri e visibili.

Disegno di figura di Lovis Corinth. Prima del 1925

Una tecnica moderna popolare è l'uso di un file carbone bastone, preparato da viti speciali e una forma di carta più ruvida. Il carboncino aderisce liberamente alla carta, consentendo una cancellazione molto facile, ma il disegno finale può essere conservato utilizzando un "fissativo" spray per evitare che il carboncino si sfreghi. Il carbone compresso più duro può produrre un effetto più deliberato e preciso e toni sfumati possono essere prodotti sbavando con le dita o con uno strumento di carta cilindrico chiamato ceppo.

La matita di grafite è anche comunemente usata per il disegno di figure. A questo scopo le matite per artisti sono vendute in varie formulazioni, che vanno da 9B (molto morbida) a 1B (mediamente morbida), e da 1H (mediamente dura) a 9H (molto dura). Come il carbone di legna, può essere cancellato e manipolato usando un moncone.

L'inchiostro è un altro mezzo popolare. L'artista inizierà spesso con la matita di grafite per abbozzare o delineare il disegno, quindi il lavoro finale viene eseguito con una penna o un pennello, con inchiostro permanente. L'inchiostro può essere diluito con acqua per produrre gradazioni, una tecnica chiamata ink wash. I segni della matita possono essere cancellati dopo l'applicazione dell'inchiostro o lasciati in posizione con gli inchiostri scuri che li sovrastano.

Alcuni artisti disegnano direttamente con l'inchiostro senza la preparazione di uno schizzo a matita, preferendo la spontaneità di questo approccio nonostante il fatto che limiti la capacità di correggere gli errori. Matisse è un artista noto per aver lavorato in questo modo.

Un metodo preferito di Watteau e altri artisti del XVII e XVIII secolo del Barocco e Rococò L'era doveva iniziare con uno sfondo colorato di tono a metà tra il bianco e il nero, e aggiungere sfumature in nero e luci in bianco, usando penna e inchiostro o "pastello".

Storia

La figura umana è stata oggetto di disegni sin dalla preistoria. Mentre le pratiche di studio degli artisti dell'antichità sono in gran parte una questione di congetture, che spesso hanno disegnato e modellato da modelli nudi è suggerito dalla raffinatezza anatomica delle loro opere. Un aneddoto raccontato da Plinio descrive come Zeusi ha recensito le giovani donne di Agrigentum nudo prima di sceglierne cinque di cui combinare i tratti per dipingere un'immagine ideale.[4] L'uso di modelli nudi nella bottega dell'artista medievale è implicito negli scritti di Cennino Cenninie un manoscritto di Villard de Honnecourt conferma che disegnare dal vero era una pratica consolidata nel XIII secolo.[4] I Carracci, che ha aperto il loro file Accademia degli Incamminati a Bologna negli anni '80 del Cinquecento, stabilì il modello per le scuole d'arte successive facendo del disegno della vita la disciplina centrale.[5] Il percorso formativo è iniziato con la copiatura delle incisioni, poi si è proceduto al disegno da calchi in gesso, dopodiché gli allievi sono stati formati al disegno dal modello dal vivo.

Alla fine del XVIII secolo, gli studenti di Jacques-Louis DavidLo studio ha seguito un rigoroso programma di istruzione. La maestria nel disegno era considerata un prerequisito per la pittura. Per circa sei ore ogni giorno, gli studenti hanno disegnato da un modello che è rimasto nella stessa posa per una settimana.[6] "I disegni del Settecento, come quello attribuito a Jacques-Louis David, erano solitamente eseguiti su carta colorata a gesso rosso o nero con riflessi bianchi e fondo scurito. Le pose delle modelle tendevano ad essere attive: le figure in piedi sembrano in procinto di muoversi e anche le figure sedute gesticolano drammaticamente. L'osservazione attenta del corpo del modello era secondaria rispetto alla resa del suo gesto, e molti disegni - coerenti con la teoria accademica - sembrano presentare una figura rappresentativa piuttosto che un corpo o un viso specifico. In confronto, le accademie prodotte in il diciannovesimo secolo [...] erano tipicamente eseguiti a gesso nero o carboncino su carta bianca e sono rappresentazioni meticolose delle particolarità e delle idiosincrasie del corpo del modello dal vivo. La prova della mano dell'artista è ridotta al minimo e, sebbene le pose reclinate o sedute sono rari, anche le pose in piedi sono relativamente statiche ... " [7] Prima della fine del XIX secolo, le donne non erano generalmente ammesse ai corsi di disegno di figure.[8]

Figura dell'Accademia

Un figura dell'accademia è un disegno, pittura o scultura in modo letterale, di corpo umano nudo utilizzando un modello dal vivo, in genere a metà della grandezza della vita.[citazione necessaria]

È un esercizio comune richiesto agli studenti di scuole d'arte e accademie, sia nel passato che nel presente, da cui il nome.[9]

Donne

Una figura accademica trascesa dal pittore neoclassico Pierre Subleyras

I resoconti storici rivelano che le modelle nude per aspirare artisti femminili erano in gran parte non disponibili. Le donne erano escluse da alcune istituzioni perché era considerato improprio e forse anche pericoloso per loro studiare da modelle nude.[10] Sebbene gli uomini avessero accesso a nudi sia maschili che femminili, le donne erano limitate ad apprendere l'anatomia da calchi e modelli. Fu solo nel 1893 che le studentesse furono autorizzate ad accedere al disegno dal vero alla Royal Academy di Londra,[11] e anche allora il modello doveva essere parzialmente drappeggiato.[12]

L'accesso limitato alle figure nude ha ostacolato le carriere e lo sviluppo delle artiste. Le più prestigiose forme di pittura richiedevano una conoscenza approfondita dell'anatomia che veniva sistematicamente negata alle donne,[12] che furono quindi relegati a forme di pittura meno considerate come genere, natura morta, paesaggio e ritrattistica. Nel Linda NochlinNel saggio "Perché non ci sono state grandi artiste", identifica l'accesso limitato che le donne avevano al disegno di figure nude come una barriera storicamente significativa allo sviluppo artistico delle donne.[12]

Istruzione contemporanea in studio

Disegno di un uomo seduto con le gambe incrociate
Studio nudo di Annibale Carracci

Le istruzioni per disegnare la figura sono un elemento della maggior parte belle Arti e illustrazione programmi. Accademie di belle arti in Italia avere un scuola libera del nudo ("scuola libera del nudo") che fa parte del corso di laurea ma è aperta anche a studenti esterni.[13] In una tipica classe di studio di disegno di figure, gli studenti si siedono attorno a un modello in semicerchio o in un cerchio completo. Non esistono due studenti che abbiano esattamente la stessa vista, quindi il loro disegno rifletterà la prospettiva della posizione unica dell'artista rispetto al modello. Il modello spesso posa su un supporto, per consentire agli studenti di trovare più facilmente una visuale libera. A seconda del tipo di posa, è possibile utilizzare mobili e / o oggetti di scena. Questi sono tipicamente inclusi nel disegno, nella misura in cui sono visibili all'artista. Tuttavia, gli sfondi vengono comunemente ignorati a meno che l'obiettivo non sia quello di apprendere il posizionamento delle figure in un ambiente. I modelli individuali sono i più comuni, ma più modelli possono essere utilizzati nelle classi più avanzate. Molti studi sono attrezzati per consentire una varietà di disposizioni di illuminazione.

Quando vengono insegnati a livello universitario, i modelli di disegno di figure sono spesso (ma non sempre) nudo (a parte piccoli gioielli, oggetti di scena o altri oggetti poco appariscenti). Durante la posa, di solito si richiede alla modella di rimanere perfettamente immobile. A causa della difficoltà di farlo per un periodo di tempo prolungato, le pause periodiche per il riposo e / o lo stretching della modella sono solitamente incluse nelle sessioni più lunghe e per le pose più difficili.

All'inizio di una sessione di disegno di figure, al modello viene spesso richiesto di eseguire una serie di brevi pose in rapida successione. Queste sono chiamate pose gestuali e in genere durano da uno a tre minuti ciascuna. Disegno di gesti è un esercizio di riscaldamento per molti artisti, sebbene alcuni artisti abbozzino il gesto come primo passo in ogni disegno di figura.[14] Questi ampi movimenti non vengono eseguiti solo con il movimento del polso, ma utilizzando l'intero braccio per catturare il movimento del modello. Aiuta anche a mantenere l'artista concentrato sul modello invece che sulla carta. Quando si tratta del corpo umano, gli artisti sono estremamente critici; le proporzioni di una natura morta non devono essere disegnate perfettamente per sembrare autentiche, ma anche il minimo errore nelle proporzioni umane sarà facilmente rilevato.

Gli artisti moderni e contemporanei possono scegliere di esagerare o distorcere le proporzioni per enfatizzare il gesto o lo stato d'animo percepito della posa delle modelle. I risultati possono essere considerati come un'opera d'arte finita, che esprime sia il soggetto, sia la risposta osservativa, emotiva e del segno all'esperienza di disegno della figura dell'artista.

L'anatomia è solo il primo livello di preoccupazione nelle classi di vita. Figura-sfondo vengono presi in considerazione anche i rapporti e altri aspetti della composizione. L'equilibrio di una composizione diventa più cruciale e quindi più compreso attraverso il disegno dal vero. Gli artisti cinestesico la risposta alla posa e il modo in cui questa viene trasmessa attraverso una scelta di supporti artistici è una preoccupazione più avanzata poiché lo scopo delle lezioni di disegno di figure è imparare a disegnare esseri umani di tutti i tipi, modelli maschili e femminili di tutte di solito si cercano le etnie, piuttosto che selezionare solo bei modelli o quelli con figure "ideali". Alcuni istruttori cercano specificamente di evitare il tipo di modelli preferiti dai fotografi di moda, cercando esempi più "realistici" e di evitare qualsiasi implicazione di oggettivazione sessuale. Gli istruttori possono anche favorire modelli di particolari tipi di corpo in base ai contorni unici o alle trame superficiali che forniscono. La varietà di modelli assunti può essere limitata dalla necessità per loro di mantenere una posa per lunghi periodi (eliminando i bambini irrequieti e le persone anziane fragili) e le preoccupazioni di modestia e legalità quando le modelle posano nude (limitando l'uso di minori).

Guarda anche

Appunti

  1. ^ Berry, cap. 8 - "Disegnare come preparazione"
  2. ^ Maureen Johnson e Douglas Johnson (2006). Art Models: Life Nudes for Drawing, Painting, and Sculpting. Libri modello dal vivo. ISBN 978-0976457329.
  3. ^ Devin Larsen (19 gennaio 2014). "Proporzioni standard del corpo umano". makingcomics.com. Recuperato 6 settembre 2020.
  4. ^ un b Rigorosamente accademico 1974 p. 6.
  5. ^ Rigorosamente accademico 1974, p. 7.
  6. ^ Rigorosamente accademico 1974, p. 8.
  7. ^ S. Waller, L'invenzione del modello: artisti e modelli a Parigi, 1830-1870. 2016, pag.5.
  8. ^ Rigorosamente accademico 1974, p. 9.
  9. ^ Claude-Henri Watelet, «Académie» e «Modèle», dans Encyclopédie méthodique. Belle arti, Parigi, Panckoucke, 1791. Fonte citata in fr: Académie (dessin)
  10. ^ Myers, Nicole. "Donne artiste nella Francia del XIX secolo". Museo Metropolitano d'Arte.
  11. ^ Levin, Kim. "Le dieci migliori storie di ARTnews: smascherare l'He nascosto'". ArtNews.
  12. ^ un b c Nochlin, Linda. "Perché non ci sono state grandi artiste?" (PDF).
  13. ^ Maggioli (2013).Codice delle leggi della scuola, pagg. 829–830. ISBN 8838778639 (in italiano)
  14. ^ Il manuale del modello artistico http://www.artmodelbook.com

Riferimenti

link esterno

Pin
Send
Share
Send